por Miles Mathis
Publicado por primera vez el
23 de diciembre de 2021 Como de costumbre, esta es una opinión. También una reseña y un libro de memorias.
Este documento fue traído a ustedes por varias cosas que se
unieron. El primero fue mi hallazgo de
esa pintura de arriba en línea mientras buscaba información sobre una obra en
venta en Ebay. La segunda fue mi lectura
del extraño video de Alex Jones publicado ayer sobre su arte
favorito en Austin. La tercera fue mi
regreso al ArtRenewalCenter por primera vez en
años. Algunos de ustedes sabrán que
solía escribir para ellos hace mucho tiempo, cuando recién comenzaba como
contracrítico de arte. Revisé varios de
sus salones en el pasado, aunque no lo he hecho en años. Me rendí frustrado, para ser honesto.
Pero antes de llegar a eso, hablemos de Alex Jones y su
recomendación de arte. Para ser justos,
no hay mucho arte que valga la pena ver en Austin, o al menos no lo había
cuando me fui hace veintiún años. Ha
sido dirigido por los modernos todo el tiempo, y el punto "alto" fue
una vez Laguna Gloria en el rico oeste de Austin, dirigido por una pequeña
camarilla de aspirantes o rechazados de Nueva York. Allí se podía ver la promoción habitual de
los niños de las familias sin talento y repugnantes, tratando de escandalizarte
o disgustarte con sus enfermedades, síntomas y discapacidades. Justo cuando salía de Austin, estas mismas
personas, u otras como ellas, encontraron montones de dinero sucio nuevo en
algún lugar para abrir nuevos y más grandes museos de ciudades y universidades,
también más de lo mismo. Un montón de
cosas que no son arte se venden como fascinantes y relevantes, cuando
claramente no lo eran. Por supuesto,
estos museos están mal atendidos por personas reales, que solo atraen a los
falsos académicos y otros farsantes que robaron el campo del arte hace un siglo
y que desde entonces se han incrustado más en la tela, como garrapatas
hinchadas. Entonces, si el arte local
favorito de Jones resulta ser un puente de concreto, no podemos culparlo solo a
él. En comparación con la basura que se
exhibe en los museos locales, eso puede ser realmente lo más artístico que ha
visto. No podemos más que compadecernos
de todos los implicados.
Solía dar talleres, pero no lo he hecho en unas dos
décadas. Una vez más, renuncié
frustrado. Los únicos estudiantes que se
presentaron eran jubilados que querían salir de la casa, y a quienes no pude
hacer que se llevaran mis "secretos" cuando los entregué. Aunque estaban cargados, ni siquiera pude
hacer que compraran las pinturas y pinceles adecuados, a pesar de proporcionar
una lista. Invariablemente aparecían con
chatarra barata de Michael's, y luego no entendían por qué no podían hacer nada
con ella. Todavía trato con el mismo
tipo de personas, que me envían correos electrónicos rogándome consejos o
recomendaciones sobre Covid u otros temas, pero luego me ignoran y van a
vacunarse o algo así. Luego me escriben
y me ruegan que los cure de la vacuna.
Ya ves cómo es.
De todos modos, dejemos todo eso y volvamos a la hermosa
pintura que tenemos bajo título. Es de Franz
Rumpler de
Viena, un artista menor que casualmente estaba pintando en el momento perfecto,
cuando incluso los artistas menores podían producir estas pequeñas obras
maestras. Lo pintó alrededor de 1885, y
parece ser lo mejor que hizo, aunque su retrato de su madre también es bastante
fuerte. Se nos dice que fue muy
prolífico, pero pocas de sus obras llegaron a Internet, por lo que es difícil
decirlo.
Podemos decir a partir de esta pintura que Rumpler fue
parte del movimiento naturalista que era especialmente fuerte en ese momento en
lugares como Viena y Estocolmo. Para más
información sobre este estilo, véase también al artista parisino
Bastien-Lepage, de quien se dice que lo inventó, y al artista británico George
Clausen, cuya Girl at the Gate puede
ser el último ejemplo posterior de ello.
Quiero usar esa pintura bajo título como mi gancho aquí, porque considero que es un poco de perfección. También porque puede que no sea obvio por qué digo eso a simple vista. También porque es muy diferente del realismo contemporáneo, del tipo promovido por el ArtRenewalCenter:
Es de Duffy Sheridan, mide 22 x 18 pulgadas (es decir, más
pequeño de lo que crees), y ganó el primer lugar en la categoría figurativa el
año pasado. Fred Ross inventó y fundó
ARC, y es el juez principal cada año, junto con un par de críticos de arte que
selecciona a dedo, así como un artista-juez.
Sheridan es el artista favorito de Fred y posee muchos de sus
lienzos. Dirás que se parece a una
fotografía, y ese es el problema. Es un
gran problema por varias razones, empezando por esta: ya tenemos cámaras, así
que no necesitamos cuadros así. Si la
pintura se ve exactamente como la fotografía, la pintura es redundante. Es mucho trabajo para nada. La foto vale algo así como 20 dólares, pero
la pintura puede venderse por 50.000 dólares o más, dependiendo del artista. Y, sin embargo, se ven exactamente iguales.
La pintura no contiene ninguna belleza o expresión que no esté ya contenida en
la foto. Así que el artista no ha hecho
nada más que copiar.
Pero este es un problema por una razón mucho mayor, una que ha afectado a la historia del arte y a la historia del realismo. Como ustedes saben, el realismo fue desechado hace más de un siglo y reemplazado por el modernismo, y una de las razones dadas para ello fue que el realismo se había vuelto obsoleto. Alrededor de 1880 la gente estaba harta de él, principalmente porque se había vuelto demasiado real. Sheridan no es el primero en pintar así, ¿sabes? Ingres lo estaba haciendo en 1800, y lo hacía con mucho más destello, profundidad y ambición. Y cuando el realismo comenzó a regresar alrededor de 1990, muchos lo atacaron como "copia de arte" porque lo veían salir del fotorrealismo.
—el único realismo permitido durante el período posmoderno—
y temían que se desarrollara como lo ha hecho en ARC. Este fotorrealismo se logró por proyección y
otros trucos, haciendo que las pinturas producidas fueran muy duras, apretadas
y sin emoción. Esa falta de emoción se
consideró una ventaja durante los años posmodernos, pero no es lo que ninguno
de los que emergimos en los primeros días del nuevo realismo queríamos. Evitamos la proyección expresamente para
alejarnos de todo ese fotorrealismo duro y apretado. No queríamos ese aspecto y lo evitamos
asiduamente.
Sé que muchos de mis lectores que no son artistas no me
seguirán. Dirán algo como: "Miles,
tus pinturas también me parecen muy fotográficas. ¿No te esfuerzas por lo mismo? Tal vez solo
estés celoso de que Sheridan lo haga mejor que tú". Y esa es, de hecho, la creencia de muchos,
incluyendo, supongo, a Sheridan, Ross y la mayoría de los artistas de ARC. Es por eso que estoy aquí, y por eso lideré
con esa pintura bajo título.
Pero antes de profundizar, primero una advertencia. Casi ninguno de vosotros habéis visto mis
cuadros en la vida real, así que no tenéis una idea clara de lo fotográficos
que son o no. Lo que has visto son
pequeñas imágenes web, tomadas con cámaras digitales y subidas a internet. Cada vez que reduzcas una imagen y la
comprimas y la conviertas en una
fotografía, la harás más "fotográfica". Y también está esto: el
trabajo fotorrealista se ve mejor en
línea, mientras que el trabajo pictórico se ve mucho peor en línea. La pintura
fotorrealista está tratando de parecerse a una foto, por lo que convertirla en
una foto ayuda, por razones obvias. La
obra pictórica trata de NO parecerse a una foto, por lo que convertirla en una
foto la perjudica.
Para la mayoría de las personas, una imagen de una persona
es prácticamente igual a cualquier otra.
Realmente no entienden por qué un retrato es genial y otro no lo
es. Están ciegos a la jerarquía de
Tiziano a Pino, por ejemplo, y realmente no pueden verlo. Su único método de juzgar es "cuánto se
parece a una fotografía" que se ve.
Si no se puede distinguir de una foto, debe ser genial, piensan. Debido a que la mayoría de las personas están
ciegas a esa jerarquía, y no pueden ver las diferencias, y no saben nada sobre
arte, hace que sea prácticamente imposible que un artista sea un artista. Si vienes y produces un pequeño retrato
encantador como el que está bajo el título, nadie se dará cuenta ni le
importará. No podrás avanzar en tu
propio campo, porque ese campo estará inundado de los fotorrealistas que
impresionan a la mayoría de la gente.
Aunque creo que Fred Ross tenía las mejores intenciones
cuando se interesó por primera vez en el arte, su influencia ha sido
completamente perjudicial para el realismo, y es porque es un no artista
rico. Su historia es que vio Ninfas con sátiro de Bouguereau en el Clark Art Institute y quedó
tan impresionado que cambió su vida para siempre. Es difícil no quedar impresionado por esa
historia, ya que la pintura es realmente impresionante, y porque tenemos que
alegrarnos cuando el arte afecta tanto a alguien. Pero cuando Ross ahora arremete contra el
modernismo, tengo que verlo como algo irónico, porque al enseñorearse del
realismo, está actuando exactamente como los modernos que odia. He mostrado a mis lectores que el pecado
número uno del modernismo fue que puso a los no artistas a cargo del arte,
elevando a los críticos, escritores y galeristas despistados por encima de los
propios artistas. Los artistas perdieron
el control de su propio campo, y desde entonces ha sido gobernado por no
artistas. Bueno, Ross está haciendo lo
mismo en ARC, donde los salones son juzgados por personas que no son
artistas. Esa jerarquía se invierte, por
lo que la jerarquía de los ganadores también se invierte cada año. Las peores pinturas se llevan los primeros
premios, lo que termina afectando a todo el campo. Las galerías realistas están llenas del mismo
tipo de trabajo, ya que los galeristas son el mismo tipo de personas que Ross y
sus críticos-jueces: conocedores bien intencionados sin ojo para la belleza, la
sutileza, la moderación o la expresión.
Si aún no ves a lo que me refiero, vamos a poner las dos pinturas una al lado de la otra:
Podría haber usado cualquier cantidad de pinturas casi
desconocidas del pasado para expresar mi punto, pero resultó que tenía esa como
mi protector de pantalla esta semana, y funcionará tan bien como
cualquiera. Sospecho que para el nuevo
realista, se verá un poco descolorido, poco pintado y aburrido. Esto se debe a que se han acostumbrado a lo
sobrepintado, sobrecoloreado y chillón.
Han perdido toda concepción de la moderación y la sutileza. Han perdido toda concepción del estado de
ánimo y el uso del color y la línea para crearlo. Porque es el color sobrio y
la línea sutil de esa obra lo que la convierte en una joya. Junto con el modelo, ese color y línea es la
causa principal de su estado de ánimo. Y
la creación del estado de ánimo es lo que permite al artista expresarse.
Para ser aún más específicos, lo que Rumpler ha hecho como
cuestión de color es usar una paleta whistleriana, con un trío de tonos
sombreados para crear un ambiente sutil.
Sí, estos tipos no hicieron lo que hicieron accidentalmente. Estaban
interesados en la sutileza, el estado de ánimo y la moderación, y así lo dijeron. Por el contrario, a los realistas
contemporáneos no les interesa la sutileza y el estado de ánimo, por lo que,
por supuesto, nunca lo logran. Les
interesa golpearte en la cabeza con la mayor cantidad de color y detalle
posible, hasta el punto de hacerte vomitar por un feo exceso de realismo.
La falda y la bufanda del hijo de Rumpler son apenas de
color gris azulado, y el corpiño es apenas violeta, e incluso el blanco está
atenuado, sin ser demasiado agresivamente blanco. Esto es para que esos tonos no dominen sus
sutiles tonos de piel del norte, que son los principales. ELLA es el objeto principal aquí, no la ropa
o el fondo, por lo que todo lo demás tiene que ser pintado y coloreado para sostenerla . El naranja pálido de las flores fue elegido
con el mismo propósito: completar la tríada tonal y permitir que las naranjas
de su piel brillen, como un paralelo. El
tono del fondo se elige en último lugar, pero incluso se elige para completar
el poema sinfónico. Lo mismo se aplica a
su rugosidad, que tampoco fue un accidente o un descuido. Dada la figura, el fondo había que pintarlo así: nada más funcionaría.
Pero aquí va mucho más que la técnica, por eso esta pintura
es tan fina. Exuda una cualidad
completamente diferente a la del Sheridan, ¿no es así? ¿Por qué?
Porque el niño está emocionando como loco, y la niña de Sheridan
no. Dirás que ninguna de las dos tiene
mucha expresión en su rostro, así que ¿de qué estoy hablando? Hay algo real en la niña, por eso Rumpler la
eligió. Tiene una tristeza y una
terrenalidad, como una verdadera niña campesina. No sé si era una verdadera niña campesina o
si era una niña de clase alta disfrazada, que estaba triste por haber sido
descuidada. Realmente no importa. La emoción está ahí y Rumpler la
capturó. Por el contrario, Sheridan no
ha capturado nada, porque no lo estaba intentando. Estaba más interesado en la ropa. Su chica es muy guapa y no se puede negar,
pero si está expresando algo es una autosatisfacción femenina moderna, una que
me parece desagradable.
La combinación de colores de Sheridan no es discordante,
que es más de lo que podemos decir de la mayoría: es solo un doble tono rojo
verdoso que combina con la piel de la niña.
Pero más allá de eso, no está haciendo nada. No se crea ningún estado de ánimo. Lo mismo para las líneas. Nada está mal, pero tampoco nada está
especialmente bien. Aquí no hay una
composición real, solo una fotocopia directa.
Y sí, se puede componer un
busto, incluso uno de lado. Es decir, si
lo desea, puede crear mucho más movimiento de línea en las cortinas, el
cabello, los hombros, etc.
El hijo de Rumpler no está intentando ninguna gran
composición, pero fíjate en cuánta más complejidad tenemos. Dados los dos brazos y la sensación natural
arrugada de la pose y el tratamiento, encontramos un sutil entrelazamiento de
verticales, horizontales e inclinaciones.
Los realistas contemporáneos casi nunca logran esto, porque ni siquiera
son conscientes de que es una posibilidad.
Obtienen todas sus líneas de la foto, por lo que no están componiendo
para empezar. O no están buscando estas cosas, por lo que no las
encuentran. Tengo que creer que eligen
las composiciones para evitar estas
complejidades, más que para crearlas.
Por ejemplo, si tomas un montón de fotos de un modelo, con o sin pensar
mucho en la composición de antemano, puedes elegir la foto que quieres pintar
en función de... algo. O eliges uno
porque tiene una combinación interesante de inclinaciones complejas que te
ayudan a crear tu estado de ánimo, o eliges uno porque no lo hace. Los realistas contemporáneos parecen evitar
algo así, supongo que porque los confunde.
Cualquier cosa que no sea soleada, clara y antiséptica les parece sucia
y anticuada, supongo. Cualquiera que
realmente exprese algo real es descartado como un anacronismo, alguien que
posiblemente necesite terapia y una dosis de productos farmacéuticos. La única expresión permitida en el realismo
contemporáneo es una angustia forzada moderna, del tipo Odd Nerdrum, en la que
el artista hace todo lo posible para ser raro a propósito. Es eso o una mirada catatónica. No hay nada en el medio.
Se me dirá que así es el mundo: solo me quejo de que el pasado
es el pasado y el presente es el presente.
¿Es culpa de Sheridan que su guapa modelo viva en el presente, y lo
parezca? Es difícil encontrar campesinas
inocentes y tristes con trajes nativos en el centro de Phoenix, Arizona.
Pero eso no es todo.
El estado de ánimo del que estoy hablando todavía existe. Hay buenos modelos por ahí, y lo sé porque
los he encontrado. Además, el estado de
ánimo del que hablo no solo proviene del modelo, también proviene del
artista. Tanto Rumpler como su modelo se
expresan allí, ya que él se expresa a través de ella. Así que su personalidad, profundidad y
carácter también brillan. La pintura es
una suma de todas las elecciones que hizo con respecto al modelo, el vestido,
la pose, la luz, el color y todo lo demás, por lo que lo estás leyendo en todo
lo que hay allí. Es un retrato de él
casi tanto como de ella.
De nuevo, dirás: "Bueno, la gente tenía más
profundidad en ese entonces, ¿qué vas a hacer, prohibir el arte?" No,
porque, de nuevo, eso no es lo que está pasando. El arte no es imposible, y todavía se hace de
vez en cuando. El problema es que casi nadie lo reconoce cuando se hace. Elegí algunas obras bonitas en los Salones
ARC en el pasado, pero normalmente habían sido enterradas y pasadas por alto
para los premios. Sus creadores, por lo
general, no han tenido carreras estelares en el realismo, porque se han perdido
en las pilas. Para decirlo sin rodeos,
la sutileza no vende.
Vamos a sacar otro de un Salón ARC reciente. Es de Jeremy Lipking de 2019, donde ganó el
primer lugar en retrato y fue comprada por Fred Ross por 23.000 dólares. Mide 16 x 12 pulgadas, para que lo
sepas. Mucho más pequeño de lo que
crees. He elogiado a Lipking antes y ha
hecho un trabajo muy bueno. Pero,
sinceramente, me parece un poco angustioso, ya que ha hecho un trabajo mucho
mejor. La técnica es fina y el color es
sobrio, entonces, ¿cuál es mi problema?
Mi problema es que la ha vaciado de toda expresión, aparentemente a
propósito. ¿Por qué? ¿Por qué haría eso? ¿Por qué ponerla en ese manto muerto y
mirarla hacia adelante como un zombi? Lo
más angustioso es que siento que se mueve en la dirección de Bo Bartlett aquí, ya que Bartlett es conocido por esa
pose cuadrada y en blanco. Finalmente se
retiró por completo, haciendo pequeños retratos de Obama y pintando el cielo
azul. Es posible que ya sea un
representante de Pfizer.* Un rápido vistazo al sitio web de Lipking no calma
mis temores, ya que ninguno de sus mejores trabajos está listo y no veo ninguno
nuevo muy bueno. Se dirá que podría
decir lo mismo de mí: nada nuevo en el lienzo.
Pero he pasado a cosas más grandes y mejores. ¿Lo ha hecho?
Por favor, dime que lo ha hecho.
Dígame que ha escrito la gran novela americana o que ha encontrado una
cura para el cáncer o algo así.
Otra cosa que me asusta son los cuervos que ahora veo en
los fondos de Lipking. Me recuerdan al
poco humo ascendente que Bartlett usa en su fondo para indicar el fin del
mundo, y que también marcó el final de su carrera.
También hice una búsqueda rápida de mi antiguo enemigo del
mercado de Santa Fe, alrededor de 1990, Dan Gerhartz. Él y yo salimos al mismo tiempo y en el mismo
lugar, en galerías casi al otro lado de la calle. Él estaba en Linda McAdoo y yo en Jan Ballew,
y creo que Jan había trabajado una vez para o con Linda. Estábamos haciendo figuración pictórica, y
durante muy poco tiempo nuestro trabajo se vio un poco similar, alrededor de
1992-3, digamos. Eso fue cuando teníamos
veinte años, pero muy pronto nos separamos.
Esto aparece ahora en su sitio:
Se volvió más suelto y más colorido y se convirtió en un
renacido, y yo... No. Recuerdo haber
hablado con él por teléfono alrededor de 1998, y me di cuenta de que no estaba
muy impresionado por mí. Me preguntó qué
estaba tratando de hacer, y pensé: "Si tengo que decírtelo, probablemente
no valga la pena decirlo". Lo que
más intentaba hacer era no pintar nada de eso.
Recuerdo que Gerhartz pintó una cosa muy bonita llamada Café en ese entonces, y ganó un premio en el gran Prix de West en Oklahoma City. Uno
de los viejos pintores paisajistas de la escena del Sudoeste (Cyrus Afsary) se
burló de ello, llamando a Gerhartz un destello en la sartén, y recuerdo haberme
sentido muy ofendido por Gerhartz.
Ciertamente, Gerhartz nunca fue solo un destello en la sartén, pero
ahora veo que ese viejo estaba en lo cierto.
Ahora miro hacia atrás en Coffee
y veo cómo fue solo una pequeña bocanada de aire para desenrollarse en melaza,
como se mencionó arriba. Incluso
entonces me gustaba más la chica bonita que el fondo desordenado o el pincel
ondulado. Quería tomar prestada la
modelo y darle mucho más peso en la imagen.
Gerhartz tenía un gran talento y podría haberse metido en algo mucho más
grande, pero no lo hizo. De hecho,
estaba tratando de advertirle de eso cuando hablé con él hace tantos años, pero
él estaba tratando de advertirme de lo contrario, creo. Creo que me veía como ingenua o atrasada de
alguna manera, y no apreciaba mis experimentos, ni mis marrones, ni mi absoluto
desprecio por el mercado. Quería avanzar
lo más rápido posible, y desarrollar un estilo propio fue la primera parte de
eso. Quang Ho y algunos de los otros en
ese momento vieron lo que yo estaba haciendo sin tener que explicarlo, pero
Gerhartz nunca lo hizo. Él solo veía mis
puntos débiles (en qué me diferenciaba de él) y estaba ciego a los fuertes (en
qué me diferenciaba de él).
Tal vez estaba tratando de advertirme que nunca triunfaría
en el mercado haciendo lo que estaba tratando de hacer, y tengo que admitir que
estaba allí mismo. Las galerías querían
mucho trabajo superficial, entregado rápidamente, y yo no estaba dispuesto a
dárselo.
También es interesante lo que dice en esa breve entrevista
que acabo de enlazar. Nunca lo había
leído hasta ahora. Después de ser elogiado por el autor por ser un fenómeno,
Gerhartz dice que todo es
relativo. "En comparación con otros, solo soy un hacker", dice.
"John Singer Sargent estaba pintando círculos a mi alrededor cuando tenía
21 años".
Es curioso verlo llamándose a sí mismo un hacker, ¿no?,
como si estuviera bien con eso y no quisiera nada más. De alguna manera explica muchas cosas. Dirás que solo está siendo modesto, algo que
debería intentar, pero no lo veo de esa manera.
Tenía un largo camino por recorrer a esa edad y todavía lo tengo, pero
nunca fui un hacker. Me molesta mucho no
haber sido capaz de encontrar la manera de estar a la altura de mi potencial, y
lo admito. Pero al menos nunca fui un
hacker. Es decir, nunca pinté para un mercado, ni seguí un estilo popular para
ser popular. Pinté exactamente lo que
quería, y evité asiduamente ceder a las expectativas.
Lo que yo estaba haciendo es lo que creo que él debería
haber estado haciendo: alejarse de la sargentolatría y la schmidolatry con toda
la velocidad posible, y avanzar hacia Tiziano, Velázquez y otros viejos
maestros de mucha más profundidad. Richard Schmid , su
mentor, ya se había disuelto en melaza, con sus pequeñas latas de café
victorianas y montones de flores, pero Gerhartz estaba decidido a
seguirlo. Del mismo modo que otros
seguían a David Leffel en un tipo diferente de pequeñez y otros seguían a Pino
o a Blokhin o Dios sabe quién más. Ahora
todo eso ha terminado, supongo, y el nuevo grupo está siguiendo a Ingres y
Bouguereau y al dios proyector. Ya no
son diminutos, pero siguen siendo en su mayoría meretricios.
Dirás que los temas de Gerhartz no encajan en mi crítica
anterior, ya que no están ni llenos de angustia moderna ni catatónicos, pero
aun así gana premios en estos concursos de realismo contemporáneo. Es cierto.
Habita una tercera línea ahora en peligro de extinción, donde también
encontramos a Mike Malm y algunos otros reductos: una línea definida por los
bathos y la nostalgia forzada. Pintan en
la tierra de los trajes de campesino de nylon demasiado limpios y planchados,
respaldados por candelabros de eBay, soles que siempre se ponen y cruces. Casi se pueden oír los violines o las arpas
irlandesas de plástico.
Para ser justos, Gerhartz todavía puede producir un bodegón muy bonito:
Ese es Gerhartz en su mejor momento, diría yo, con muchas
características muy encantadoras. Aunque
ahora que lo miro más de cerca, no creo que sea reciente. Pero todavía lo encuentro amanerado, con esos
tirones de pintura cursis como en el borde superior del papel y en la base de
la taza. Esos, debo decirte, son el
signo del hackeo, algo así como gotas de pintura o viñeteado en espiral. Esas cosas no tienen ningún sentido real y
son solo una señal de que el artista está perdiendo la cabeza, una señal de la
caída.
Y esto te muestra por qué nunca debes desarrollar un estilo
característico. Gerhartz desarrolló este
estilo bonito desde el principio, y posiblemente nadie haya tenido uno más
bonito. Hace que incluso Schmid parezca
torpe. Lo llevó tan lejos como se puede
llevar, y luego lo llevó mucho más allá de eso.
Funciona muy bien para flores y jarrones, como ves, ya que si estás
mirando la pintura en lugar de la pintura, ¿a quién le importa? ¿Para qué otra
cosa sirven las flores y los jarrones sino para convertirlos en bonita
pintura? Pero supongamos que quieres
pintar algo con más gravedad, aunque sea una chica bonita. ¿Crees que quieres que la gente la mire y lo
que sientes por ella, en lugar de mirar la pintura? Pues bien, tu estilo bonito no va a encajar
con ese cuadro, ¿verdad? En cambio, tu
estilo lo usurpará, convirtiéndolo en melaza.
Un pincel revoloteando y tirando de los bordes sin ninguna razón va a
parecer una tontería. El color
tonificado se va a ver tonto. Y tu soltura se verá flácida y fuera de lugar y
autoindulgente.
Lo que significa que tienes que hacer coincidir tu estilo
con tu sujeto. Los viejos maestros lo sabían, la mayoría de ellos, y eran
capaces de apretar o aflojar un pincel, usando más o menos color. Sabían cuándo usar el detalle y cuándo
evitarlo. Sabían cuándo y dónde una
elisión elegante era apropiada y dónde no.
En palabras, entendían la moderación.
El estilo de Gerhartz lo limitó desde el principio, aunque
parece que nunca lo notó. Llegó a la
cima con Coffee a los 32 años y
después de eso todo fue cuesta abajo. La
única vez que parece haberse dado cuenta es cuando se dedicó a la literatura
por una materia. El problema es que,
incluso cuando lo hacía, seguía siendo para las guapas y las malhumoradas. Eligió pintar "Hind's Feet", de Hind's Feet on High Places, una alegoría
cristiana de 1955 de Hannah Hurnard.
Anteriormente había pensado que su pintura era de El progreso del peregrino, ya que el personaje central Mucho miedo
también es un personaje allí. Pero
resulta que es aún peor que eso, porque este libro mucho más nuevo es realmente
bastante espeluznante.** De todos modos, Gerhartz se equivoca en todo, ya que
se supone que Much Afraid apoyado en el camino por Sorrow and Suffering es
horriblemente feo, con una cara deforme, manos retorcidas y pies zambo. Gerhartz la convierte en una bonita rubia.
Y si seguimos estudiando su trabajo más reciente, encontramos que, al igual que Bo Bartlett, Gerhartz ahora está pintando temas BLM. Bartlett está pintando a niños negros en bicicletas, ya que supongo que nada prueba que los negros sean iguales como verlos en bicicletas. También pinta filas de personas negras por detrás, algunas de ellas homosexuales, porque nada prueba que los negros sean iguales como ver la parte posterior de sus cabezas. Supongo que llevó a estos cinco chicos en autobús desde Harlem o a algún lugar a su isla privada frente a la costa de Maine, porque eso demuestra lo increíblemente interesado que está en la diversidad.
En cuanto a Gerhartz, creo que también recibió un
memorándum de alguna parte, ya que está pintando a chicas blancas y negras
tomadas de la mano mientras entran a la iglesia, y otras cosas muy conmovedoras
de esa naturaleza. No hay nada malo en
ese tema que dices, y estaría de acuerdo si pudiera convencerme de que llegó a
él por su propia iniciativa. Pero
sabemos que fue impulsado a ello por The
New York Times o MSNBC o Don Lemon o The View. Haciéndolo. . . propaganda.
Aunque estoy a favor de los derechos civiles, no puedo
convencerme de que nada de esto de BLM sea real. ¿Por qué?
Porque salió de la nada.
Cuando surgió alrededor de 2015, las relaciones raciales no estaban en
un mal lugar. Acabábamos de tener un presidente negro y casi todo el mundo
estaba de acuerdo con eso. No recuerdo a
nadie que dijera que las vidas negras no importaban. A los que no les gustaba Obama, y yo era uno
de ellos, no les desagradaba porque fuera negro. No nos gustaba porque, como todos los demás
presidentes, era un gran farsante que leía los teleprompters y cumplía las
órdenes de Goldman Sachs y el Pentágono.
Obviamente, todo el movimiento BLM ha sido guionizado por la CIA, como
casi todo lo demás, y el Premio Nobel de 2021 lo confirma con grandes signos de
exclamación. BLM no se creó para mejorar
las relaciones raciales, sino para torpedearlas, y eso era necesario para
mantener los ojos alejados de cosas más importantes, como el próximo genocidio
de Covid.
Así que encontrar a Gerhartz vendiendo este kool-aid es
solo otro golpe en su contra. No sé si
está tan comprometido como Bo Bartlett, pero finalmente he considerado esa
posibilidad. "Hind's Feet" es
otra pista en esa dirección, vea la segunda nota al pie a continuación.
Pero trataré de mantenerme en el tema. Incluí la elección del tema en esta lección,
recordándoles que el arte no es solo técnica.
También es lo que eliges pintar y cómo eliges pintarlo. No puedes hacer nada con un mal tema, así que
tu primera tarea como artista es encontrar uno bueno. La mayoría de los artistas dedican muy poco
tiempo a esto. Es muy difícil en el
mundo moderno, ya que toda la profundidad ha sido drenada de nuestra cultura a
propósito. Y si se va al pasado en busca
de materias, como ocurre con la literatura, también se considera que la mayoría
de las buenas están aprovechadas. La
figura y el desnudo es un tema que nunca se puede explotar, en mi opinión:
siempre hay algo nuevo que encontrar ya que siempre hay gente nueva en el
mundo. Mis desnudos no se parecen mucho
a los desnudos que vinieron antes, lo que significa que encontrar un nuevo
tratamiento no puede ser tan difícil.
Quédate con lo que te guste y píntalo fielmente. Sin embargo, tengo
algunos consejos en este sentido. Te
advierto que no utilices la figura o el desnudo como bodegón o paisaje. Un cuerpo humano no es un accesorio, como un
jarrón, una flor o una silla. Tampoco es
un paisaje, para ser utilizado para un efecto escénico. No es un maniquí para cortinas y no es un
reflector de luz más en un grupo. Todos
esos tratamientos son modernos y como tales deben fallar. Pueden parecer inteligentes durante uno o dos
días, pero nunca te sentirás recordado por ellos. Serás justamente olvidado. Todos los grandes
artistas han tratado la figura humana con dignidad y honor, buscando su esencia
de alguna manera.
Después de un tiempo quise intentar aún más que eso, por lo
que comencé a buscar el tema más amplio. Muchos de los grandes artistas del
pasado tenían un tema incorporado para ellos: el cristianismo. Estaba buscando algo que no se hubiera
golpeado antes, por eso creé el Retablo Shelley. Estaba tratando de crear una nueva mitología
en torno a un tema descuidado. Mark
Twain lo había golpeado, pero sólo de forma oblicua, sin ver realmente las
resonancias más profundas allí. En mi
opinión, hay muchas minas sin explotar de ese tipo por ahí, en las que nadie ha
encontrado oro todavía. Por eso te
recomiendo que estudies historia, especialmente historia desde 1800. La mayor parte de ese campo ha sido peinado
por los artistas poco o nada. Los
artistas del siglo XIX seguían ilustrando en su mayoría el pasado lejano, como
en el caso de los prerrafaelitas. No
estaban mirando a su propio tiempo, ya que todavía era el presente para
ellos. Pero veo el siglo XIX como
un campo muy rico para los artistas que buscan temas. Estaban sucediendo muchas cosas entonces, y
gran parte de ellas se podían pintar.
¿Por qué dejarlo todo en manos de Hollywood?
Si quieres una lección de qué hacer en lugar de qué no hacer, mira aquí:
Mencioné a Tiziano arriba y ambos son de Tiziano. Pueden ser los dos mejores retratos
masculinos jamás pintados. Pero tengo
que admitir que no lo sabrías al mirar estas imágenes web, que, para las
imágenes web, son lo mejor que obtienes.
Los he visto en la vida real y, como con un Van Gogh, hay que ver estos
cuadros para entender lo buenos que son.
No se sostienen en las imágenes web. El segundo está en Nueva York en el
Frick, por si te interesa. El otro está
en el Louvre.
Solo para asegurarse de que lo está entendiendo, los
salones ARC se juzgan a partir de imágenes web, al igual que casi todos los
demás concursos de arte ahora. Las
galerías juzgan a los artistas a partir de imágenes web. Me juzgas como artista por las imágenes web.
Pero, como digo, eso no funciona. Un
cuadro no es una webimagen. No hay forma
de que una cámara capture la forma en que la luz se refleja en una pintura al
óleo. Si lo hubiera, no habría razón
para usar pintura al óleo. Simplemente
crearíamos las imágenes directamente en la computadora. Y de nuevo, las malas pinturas se ven mejor
en la web, y las buenas pinturas como estas de Tiziano se ven mucho peor. No es solo mi opinión, es así.
Pero déjame intentarlo.
Déjame tratar de explicarte por qué estas pinturas son tan
geniales. Tiziano es llamado el
colorista más grande del Renacimiento, pero probablemente estés pensando:
"Casi no hay color en el primero y solo un poco de color en el segundo,
¿cómo puede ser eso?" Ser el mejor
colorista no significa tener los colores más saturados o tener la mayor
cantidad de colores o tener los colores más tonificados. Si lo hiciera, Thomas Kinkade vencería a
Tiziano sin lugar a dudas. Significa
tener las mejores armonías de color y elegir los mejores colores para expresar
el estado de ánimo. Significa usar el
color para lograr el mayor efecto, sin abusar de él.
El rojo de la segunda imagen es erróneo: es mucho más rojo
que eso. Pero el punto es que es
exactamente la cantidad justa de rojo para resaltar los tonos de piel de la
cara. Es exactamente el valor y la
saturación correctos, ni más ni menos.
Por valor, me refiero a que no es ni demasiado naranja ni demasiado
morado, ni demasiado blanco, ni demasiado negro, ni demasiado marrón. Cuando lo ves como un artista, es como
recibir un buen masaje en la espalda de tu amante: realmente tienes esos
escalofríos. Todos los demás colores de
la obra son así: perfectos. Y el fondo
es el mismo tipo de milagro, tiene el color y el tono adecuados para unir ese
rojo y ese dorado y ese negro y ese blanco y ese gris. Es posible que no te des cuenta de lo difícil
que es eso, o de lo raro que es, así que solo puedo asegurarte que lo es. La mayoría de los artistas ni siquiera son
conscientes de que el trasfondo es tan importante, y los que se dan cuenta no
pueden encontrar el valor. Crear una
armonía de color como esta es una de las cosas más raras de la historia del
arte. Sargent hizo algunas cosas muy
buenas, pero nunca se acercó a ninguna de ellas. Como él mismo habría admitido.
La mayoría de los realistas pensarán: "Bueno, Tiziano
simplemente tuvo suerte. El tipo llevaba
un sombrero que resaltaba sus mejillas, gran cosa". Si lo estuvieran pintando, simplemente
copiarían el color del sombrero y terminarían con él, sin pensarlo dos
veces. Si lo igualaban, el éxito. Pero eso no es lo que sucedió, se lo aseguro.
Es probable que Tiziano eligiera el sombrero él mismo, para empezar. Pero no se limitó a copiar el color a pesar
de todo. Lo modificó para que
coincidiera con los tonos de piel a propósito.
Sabemos que creó ese rojo con unas dos docenas de esmaltes separados,
por lo que nada fue un accidente aquí. Y
no solo buscaba la saturación con esos esmaltes, o resplandor. Buscaba
exactamente el rojo correcto.
Dirás que estos chicos no parecen estar emocionando mucho,
incluso en comparación con la niña de Rumpler de arriba. Ambos miran hacia otro
lado con una mirada muerta. Bueno, no
están masticando el paisaje, pero están lejos de ser una mirada muerta. En persona, puedes sentir su presencia. De
alguna manera, Tiziano los ha capturado tan perfectamente que casi puedes
olerlos. Es asombroso. Es algo sobre los ojos y las bocas, y estos
tipos tienen un peso que el nuevo trabajo fotorrealista nunca tuvo. De nuevo, tiene que ver con el propio
artista. Ha pintado no sólo a los
hombres, sino también su relación con ellos y sus sentimientos por ellos. Y de alguna manera eso está ligado a la forma en que los pintó.
Es decir, la técnica es tan refinada que permite la captura del
espíritu. Es difícil de explicar. Imposible de explicar. Es por eso que la pintura puede ser tan
milagrosa, y por qué algunas pinturas antiguas realmente valen una gran
cantidad de dinero.
Pero se puede ver lo fácil que sería para un nuevo realista
descartar estas imágenes. No se podía
decir que estuvieran poco pintados, pero sin verlos en persona se podía decir
fácilmente que estaban poco coloreados. Se podría decir que carecían de cierto
dinamismo, en comparación con los llamativos fuegos artificiales que se exhiben
en el salón ARC. Un Gerhartz podría
decir que estaban demasiado apretados, mientras que muchos otros podrían decir
que están demasiado sueltos. No son
tan fotográficos como un Sheridan, aunque son mucho más reales. Lo que nos recuerda que
"fotográfico" y "real" son dos cosas completamente
diferentes. Una fotografía es bidimensional,
mientras que la realidad es tridimensional, por lo que si realmente quieres
pintar algo tan vivo como un Tiziano, no puedes ser fotográfico. Tienes que hacer un mejor trabajo para
capturar esa tercera dimensión, como él lo hace. Que, por supuesto, no se puede ver en las
imágenes web, que son bidimensionales.
Dirás que la pintura también es bidimensional, ¿cuál es la
diferencia? La diferencia, como te sigo
diciendo, es que la pintura sobre lienzo puede hacer cosas que las fotografías
no pueden, pero solo si tú se lo permites.
Si está proyectando o copiando fotos, obviamente no puede hacer
eso. Tienes que tratar de capturar ese
efecto de vida más allá de lo que la foto puede decirte.
Es más, como también he dicho antes, tienes que entender
que al capturar ese je ne sais quoi,
en última instancia, te estás capturando a ti mismo en cada pintura. Para darle profundidad a una pintura, tienes que suministrarla. Así que si no eres profundo, tienes un
problema. Un artista superficial nunca creará
una pintura profunda, no importa cuánta técnica aprenda. Esa profundidad es en realidad más
importante que la técnica en sí, y es más valiosa porque es más rara. Y ahí es donde Van Gogh venció las
probabilidades. Técnicamente, era bastante torpe, pero tenía una profundidad
asombrosa que pudo introducir en las pinturas de todos modos. O al menos algunos de ellos. Mira La
noche estrellada, que realmente es tan genial como dicen.
Los nuevos realistas volverán a decir algo como:
"Bueno, o soy profundo o no lo soy, así que ¿cuál es el punto? Tengo que salir adelante en el mercado de
alguna manera, y no puedo estar tomando lecciones en profundidad, ¿verdad? De todos modos, ¿qué es una lección en
profundidad? Este documento es una
lección en profundidad, amigo mío, así que presta atención.
Se puede profundizar
con la edad, y algunas personas solían hacerlo, en el pasado. No tienes que empezar como un hacker y
disolverte en un pequeñito. Si quieres
crecer, hay formas de hacerlo, pero el primer paso es
querer. Tienes que dedicar tanto tiempo
a arreglarte a ti mismo como a arreglar modelos o estudiar la técnica. Lo que significa que en lugar de ver CNN en
tu tiempo libre o jugar videojuegos, lees libros reales. Estudias historia. Si quieres tener la profundidad de esos tipos
en el pasado, tienes que sumergirte en sus tiempos. Tienes que hacer un esfuerzo real para
meterte en sus cabezas y sentir lo que sintieron. Lo estás haciendo no solo para tomar prestada
su técnica, lo estás haciendo porque estás buscando una riqueza que el mundo
moderno ya no tiene. Así que lees lo que
leen, y lees lo que dicen sobre lo que leen.
En la medida de lo posible, se deshacen de todo el régimen moderno de
falsedad, superficialidad y falsedad, no como un guiño a la nostalgia o para
venderlo a los conservadores, sino para descubrir alguna verdad, tanto en el
mundo como en su arte.
Lo supe antes de cumplir 30 años, que es precisamente cómo
y por qué me separé de mis camaradas en la escena artística del suroeste. Buscaba algo más allá de las latas de café
victorianas y las flores en jarrones y los trazos de pintura llamativos, por lo
que terminé creando el Retablo de Shelley, entre otras cosas. Por eso perseguí
a Tristán e Isolda y a Juana de Arco y otras cosas. Y probablemente es la razón por la que finalmente
me rendí: no solo el mercado nunca me iba a incluir, sino que simplemente no
había forma de hacer lo que quería hacer.
El tipo de trabajo que tenía en mente requeriría cientos de horas de
tiempo de modelación, docenas de modelos, un gran estudio con asistentes y
muchas otras cosas que no estaban dentro de mis posibilidades. Aunque las cosas más pequeñas de Tristán e
Isolda fueron un éxito, en mi opinión, la grande no lo fue. Simplemente no se podía hacer a partir de
unas pocas fotos.
Cuando me mudé por primera vez a Taos, Walt Gonske y
algunos otros de los famosos chicos locales vinieron a "ver mi
estudio". El problema era que
realmente estaban allí para ver mi estudio, no mi arte. A los realistas en realidad no les importa
mucho el arte, pero están dispuestos a comparar estudios. Es decir, querían ver mi espacio: la
habitación real en la que pinté, los techos altos y la luz del norte, los
elegantes caballetes y todo eso. Pero
estaban muy decepcionados, ya que nada de eso existía. Estaba pintando desde mi habitación en un
caballete que mi padre me hizo con chatarra del departamento de arte de la
universidad. Los techos eran bajos y no
había luz natural. Creo que se
sorprendieron: ¿por qué estaba tratando de pintar así? Porque no tenía otra opción. No podía permitirme un estudio caro, que
generalmente tiene que estar hecho especialmente para un artista, con una
ventana norte alta. Allí pagaba unos 700
dólares al mes, y la razón es que siempre me había negado a pintar para el mercado. Nunca pinté un jarrón de flores o un paisaje
colorido o cualquier otra cosa que los clientes del suroeste estuvieran
buscando. También me había negado a
pintar retratos corporativos masculinos, por razones que puedes entender, ya
que me conoces bastante bien. Debido a
que me negué a ser un hacker, me había condenado a mí mismo financieramente y
tuve la suerte de pagar el alquiler cada mes.
Y, como les he dicho antes, viví en Taos, que alguna vez fue una gran
ciudad de arte, durante 14 años sin ninguna representación. No he tenido ninguna representación a nivel
nacional desde 2003, porque no estoy dispuesto a postrarme ante el mercado
contemporáneo, que no ha hecho más que empeorar cada década.
Así que, como estás empezando a entender, no podía
permanecer más tiempo en el mercado realista porque empecé a despreciarlo a él
y a toda la gente que había en él. Como
ves, he llegado a despreciarlo más con cada década que pasa. Cada vez es más difícil decir a quién
desprecio más: a los modernos o a los realistas. No, todavía desprecio más a los modernos,
pero como estás viendo, en la mayoría de los casos los realistas son en
realidad modernos con un atuendo ligeramente diferente. No tienen ningún problema con la Modernidad,
sólo quieren ser libres de proyectarla y copiarla y obtener el mejor precio por
ella. No quieren tener que cagar en una
caja o tirar piedras al suelo para hacerse famosos: quieren hacerlo mientras
parecen pintar.
Dirás que nunca me acerqué a pintar como Tiziano, mis
mejores obras son solo un poco más ajustadas que las de Sargent. Lo cual es
cierto. Nunca tuve tiempo de intentar un
estilo de Tiziano. No se puede pintar
algo así con una o dos sesiones, o a partir de fotos. Incluso Sargent tenía algo así como 85
sesiones por cabeza con sus mejores obras tempranas (véase Marie-Louise
Pailleron), y un Tiziano requeriría el doble.
Nunca tuve más de un par, así que si iba a conseguir algo de profundidad
en mis pinturas, tenía que ser a través de pura fuerza de voluntad, como Van
Gogh. No podía hacerlo con una
tridimensionalidad impresionante, así que tuve que intentar hacerlo con la
elección del modelo, la pose, la armonía del color, la composición y la
pincelada. Al igual que Van Gogh, tuve
que amar a mis modelos con una pasión feroz, y tratar de pintar esa
pasión. A veces no funcionaba y a veces
sí:
Todo salió bien, ya que mi destino estaba en otra
parte. Pero no puedo evitar mirar hacia
atrás con cierto arrepentimiento por lo que podría haber sido.
*Eso fue solo una broma y una suposición, pero como
saben soy un buen adivinador. De hecho,
Bartlett está repartiendo botones de
vacunación. No, en serio. ¿Cómo lo supe? Así es como.
Hurnard y la publicación de este libro tienen las
habituales banderas rojas por todas partes. Ella era cuáquera, lo cual es
suficiente por sí solo para arruinar todo esto como un proyecto, pero
continuaré. Aunque nació en Colchester,
vivió en Israel durante 50 años. El libro fue publicado por la Cruzada de
Literatura Cristiana, que no es más que otro frente de inteligencia, que surgió
originalmente de la Convención de Keswick y el Movimiento de la Vida Superior
en 1875. También hemos golpeado a estas
personas antes, ya que, al igual que los cuáqueros, su trabajo era infiltrarse
en el cristianismo e invertirlo. Una de
las formas en que lo hacen es a través de su extraña idea de la
"santificación completa", por la cual ciertas personas bendecidas por
Dios, por razones que no se explican realmente, pueden lograr una vida sin
pecado. Como puede ver, eso entra en
conflicto con uno de los principios fundamentales del cristianismo, que nos
dice que solo Jesús era capaz de eso.
Dos de los autores principales y originales de la CVX fueron W. E. Boardman y Ken Adams, fantasmas obvios
con marcadores judíos por todas partes. Lo mismo para Stuart Blanch, que salió de la Royal
Air Force y terminó en Oxford.
Más tarde se convirtió en el
Arzobispo de York.
Curiosamente, en la CVX, publican una foto de Blanch como un joven
oficial, no como arzobispo de
York. Eso es
obviamente para engañar a sus lectores ingenuos, la mayoría de los cuales se
resistirían o deberían oponerse a que un arzobispo anglicano esté involucrado
en cosas como la santificación completa.
Su biografía es la típica: nacido de un granjero que murió cuando él
tenía cinco años, supuestamente era muy pobre y no podía pagar la
universidad. Así que, por supuesto, fue contratado
inmediatamente por la Cancillería de la City de Londres, trabajando para un
importante bufete de abogados. De allí
pasó a la RAF, donde se convirtió en teniente de vuelo entre las guerras. También podemos suponer que era
Inteligencia. W. E.
El verdadero nombre de Boardman era Smith, y se
escondió detrás del nombre de su madre.
Lo que me dice que probablemente pertenecía a los banqueros Smith de
Nottingham y la falsificación del Titanic.
Su esposa era una Adams, lo que lo vinculaba a Ken Adams. Se dice que
Boardman nació el 10/11/1810. Ases y
ochos. Los Boardman de la nobleza
también son Grises, que más tarde se convirtieron en Barones, lo que tiende a
apoyar mi suposición. La madre de
Boardman también era de una marisma, lo que nos vinculaba con los Neville y, a
través de ellos, con los Estuardo.
Hurnard basó su libro de 1955 en The
Pilgrim's Progress de 1678, pero tengo el mismo tipo de mal presentimiento
de eso. Vende la gracia sobre las obras,
lo cual no es una buena señal para empezar. Esto fue alrededor de un siglo
después del Concilio de Trento, que falló a favor de la tumba sobre las obras,
pero lo hizo por razones venales obvias: para vender penitencias. Dirás que me refiero a las indulgencias, pero
no lo hago. También se vendían
penitencias, y aunque el dinero no cambiaba de manos, el rito de la penitencia
daba al sacerdote poder directo sobre el pecador, asignándole tareas. Espero que se pueda ver el espacio para la
corrupción. En cualquier caso, esta es
una gran lata de gusanos y, obviamente, requerirá otro artículo y mucha más
investigación. Por ahora solo diré que El Progreso del Peregrino arroja todas
las señales habituales. ¿Como qué? Como que el apellido de soltera de su madre
no se da en Wikipedia, y que mintió sobre lo pobre que era su familia. Su nombre era Margaret Bentley, lo cual es
una señal de alerta.
Al igual que el hecho de que Bunyan se negó a nombrar
a su esposa. Un vistazo rápido a
thepeerage.com nos da una Margaret Bentley de la década de 1600 que se casó con Thomas
Bunyan. Su nieto se llama John
Bunyan. Lundy intenta esconder a estas
personas despojándolas de fechas y lugares, pero están ahí. Parece que el primo de John, Richard, se casó
con los baronets Bernard, vinculándolo con los St. John y los Cromwell.
Esto nos vincula directamente con Oliver Cromwell. Nunca te dicen eso, ¿verdad? Richard Bentley se casó con la hija del
segundo baronet Bernard, y su abuela fue Elizabeth Cromwell. El abuelo de Elizabeth fue Sir Henry, hermano
de Sir Oliver Cromwell.
Así que solo tenemos que preguntarnos esto: ¿seguimos
creyendo que Dan Gerhartz no sabe nada de esto, y simplemente eligió pintar
Hind's Feet basándose en una recomendación inocente de su esposa o predicador,
o vemos la jugada habitual en marcha aquí?
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