[Todas las fotos aquí tomadas de internet forman parte de esta
revisión de artistas e instituciones bajo la doctrina del uso justo.]
Philippe de Montebello fue director del Museo Metropolitano
de Arte desde 1977 hasta 2008. En la
reciente película de Robert Hughes La
maldición de la Mona Lisa, Hughes lo presenta como una excepción a la regla
de Krens, Hoving sobre directores de grandes museos. Es decir, se le presenta como siempre, como
el director patricio de la vieja escuela que sabe lo que hace. Y aunque ciertamente sale mejor que Krens y
Hoving en la película, aún no estamos del todo convencidos. De Montebello tiene un porte maravilloso, un
agradable acento francés y viste trajes preciosos. Pero como se mueve por estos círculos y fue
contratado por estas personas, ¿qué tan bueno podía ser? Parece realeza (de hecho, es un conde), pero
recordamos que Obama también lucía bien.
Los que mandan saben que deben liderar con su mejor abrigo y
corbata.
También recordamos que Adam de Tullio Lombardo fue
destruido bajo la vigilancia de de Montebello, al igual que un importante della
Robbia. Se necesitan niveles
espectaculares de incompetencia para permitir que cosas así ocurran en un
museo, ya que, por supuesto, gestionar los activos es la primera tarea. Al igual que los directores de Exxon, de
Montebello de alguna manera eludió la responsabilidad en estas catástrofes,
pero como director, es en última instancia el responsable. Si el comisario o el personal de escultura
eran incompetentes, debería haberlo sabido.
Más allá de eso, nunca le oí mostrar mucho remordimiento. En Italia o Japón se habría visto obligado a
cortarse el cuello en la plaza del pueblo, pero en Estados Unidos le dejamos
escapar con un encogimiento de hombros.
Dijo que la obra se repararía en dos años, "para que solo los
conocedores lo supieran." Casi una
década después, la escultura sigue en reparación, y los informes filtrados
admiten que un ciego lo sabría, ya que la escultura fue hecha volar en mil
pedazos. Esto es una tragedia
indescriptible, ya que el Adán fue
una de las mayores esculturas del mundo, solo medio escalón por debajo del David.
[De hecho, tras investigar un poco más, no estoy tan seguro
de que la destrucción de la escultura fuera un accidente. La base sobre la que la escultura se había
sostenido firmemente durante siglos fue reemplazada por una delgada base de
contrachapado solo unos meses antes de la caída. Eso es sospechoso. ¿Por qué nunca hubo una investigación penal,
ni por parte de la ciudad de Nueva York, ni del estado de Nueva York, ni del
gobierno federal? Esta es una escultura
invaluable, una que valdría más de 10 millones en el mercado abierto, y por
tanto es un gran activo público, que ya no existe. Aparentemente se asumía que nadie querría
destruir esta estatua, pero eso no es suficiente para mí. No confío en esas suposiciones. Cuando ocurre algo terrible en circunstancias
sospechosas, lo investigas. No se supone
que fue un accidente. Esta caída es casi
como una muerte, y no asumes que una muerte no es un asesinato sin motivo. Lo investigas. Si esto hubiera ocurrido en Japón o Europa,
lo habrían investigado. Por lo que
sabemos, puede que haya un satanista o un homófobo violento trabajando en la
Met, y puede que siga allí. Sabemos que
hay psicópatas en todas partes.
¿Estamos seguros de que no se está encubriendo nada en la Met? El della Robbia que cayó fue Miguel
Arcángel. De nuevo, sospechoso, y no soy
cristiano.]
Ahora pasemos al historial de exhibiciones de de
Montebello. Aunque era conocido por ser
mucho menos favorable al Modernismo que Hoving, cabe destacar que Hoving nos
ofreció la exposición de Andrew Wyeth en 1977, justo antes de marcharse,
mientras que los primeros artistas vivos para los que de Montebello hizo una
exposición en solitario fueron Ellsworth Kelly y Clyfford Still (ambos de
1979).
Justo después tuvimos a los alumnos de Hans Hofmann y luego
la serie Renate de Hofmann. Hofmann
había fallecido hace poco, pero por supuesto sus alumnos no.
Luego los dibujos de Barnett Newman (véase bajo el
título). Precioso, ¿verdad? ¡Qué talento!
Newman murió en 1970, pero voy a dejar que estos artistas recientemente
fallecidos se sitúen en la categoría de "vivos", ya que no son
maestros antiguos ni mucho menos. Su
promoción sigue consolidando la definición moderna de arte, mientras que todas
las exposiciones de antigüedades y maestros antiguos obviamente no lo
hacen.
Luego John Marin (1981):
Sí, eso es simplemente un Kandinsky temprano malo.
Ahora bien, admito que el Met tuvo muchas exposiciones
geniales durante la etapa de de Montebello, pero todas fueron exposiciones de
antigüedades de un tipo u otro. No hubo
exposiciones—ninguna—para pintores o escultores contemporáneos serios (lo más
cercano que tuvimos fue una retrospectiva de Balthus en 1984 y una de Lucian
Freud en 1993). En cambio, recibimos una
promoción constante y intensa del arte según las nuevas definiciones. Voy a repasar la lista de exposiciones, año a
año, para mostrar esto.
2008: Jasper Johns, Jeff Koons y el arte pop
2007: Frank Stella, Tara Donovan y Video Media
Esa es Tara
Donovan.
2006: Kara Walker, Betty Woodman, Transgresión en la moda
británica, Sean Scully, Nan Kempner (2006 fue un año destacado en el Met,
gracias al gusto aristocrático de de Montebello):
Nan Kempner era solo una mujer rica con mucha ropa. El desfile del Met fue básicamente una
muestra de su vestuario. Me sorprende
que de Montebello no hiciera una exposición de los zapatos de Imelda
Marcos. Por supuesto, el público habría
acudido en masa para verlo.
2005: Sol Lewitt, Tony Oursler y Rauschenberg:
2004: Christo, Andy Goldsworthy, William Kentridge, Romare
Bearden y WILD Fashion Untamed
Eso es Kentridge y Bearden.
2003: Corazones Valientes: Hombres con falda, Philip Guston
y Roy Lichtenstein
2002: Claes Oldenburg
2001: Terry Winters, Joel Shapiro, Desfile de Moda de
Belleza Extrema
2000: Sean Scully (de nuevo, véase 2006), David Smith
1999: Abakanowicz, Baseball Cards
1998: Ellsworth Kelly (de nuevo, véase también 1979),
Judith Rothschild, Anselm Kiefer
En 1997 tuvimos a Ivan Albright, "realista
mágico".
¿Eso te parece realismo mágico? A mí me parece una pesadilla. En el 97 también tuvimos a Richard
Pousette-Dart y Gianni Versace:
En 1996 tuvimos "Artistas por la Victoria", una
exposición sugerida a de Montebello por el Pentágono, sin duda. También tuvimos dos desfiles de moda:
"Bare Witness" y Christian Dior.
No fue un gran año para el arte contemporáneo en el Met.
En 1995 tuvimos a R. B. Kitaj, Haute Couture, American
Schoolgirl Needlework y Howard Hodgkin:
Supongo que necesitábamos un conteo para tener esa
cualidad.
En 1994 tuvimos Madame Gres (otro desfile de moda). En 1993, tuvimos a Lucien Freud, Diana
Vreeland, Infra-vestel y cromos de béisbol.
Ese es David Hockney de Freud. Realismo, supongo, pero lo feo que puede
ser. Déjame hacerte una pregunta: si
Lucian Freud era un gran pintor, ¿qué hacía pasando el rato con Hockney? Pájaros de pluma.
En 1992, obtuvimos Moda e Historia. En 1991 volvimos a tener Clyfford Still
(véase también 1979). En 1990
conseguimos Jean Michel Folon y colchas americanas.
Creo que eso es suficiente para empezar. Pero necesitaba estudiar las listas de
exposiciones para demostrar que lo que nos cuentan de de Montebello no es más
que propaganda. Es muy parecido a mi
estudio de los votos de Obama en
Thomas.gov, ver que la verdad siempre está invertida. Incluso hoy Donald Rumsfeld insinúa que Obama
es blando en defensa, ya que Obama habla de algunos recortes menores. Esto mientras Obama está bombardeando media
docena de países hasta deshacerlos del mapa.
De la misma manera, Wikipedia —como solo un ejemplo— nos dice que la
única o principal crítica a de Montebello es que no fue un animador lo
suficientemente ruidoso del arte contemporáneo.
Como prueba se nos da que no le gustaba Chris Ofili. Pero como hemos visto, de Montebello no hacía
más que promover la agenda moderna (cuando no promocionaba desfiles de moda,
damas de la alta sociedad o cromos de béisbol).
El único pequeño guiño que recuerdo de de Montebello a los críticos del
modernismo o posmodernismo fue su comentario positivo sobre el libro de Roger Kimball, El rapto de los maestros. Pero, por supuesto, esperaríamos que de
Montebello defendiera a los viejos maestros.
Es fácil defender a los viejos maestros porque son intocables, son un atractivo
continuo y nadie los está violando con éxito de todos modos. Es menos fácil defender a los amos vivos, y
de Montebello no ha mostrado interés en defenderlos, y mucho menos en
promoverlos, aunque son violados todo el tiempo a plena vista. El realismo ha
sido difamado cada año desde 1910, y sigue siendo difamado a diario. Si no lo sabes, es porque no estás al día con
la literatura, desde ARTnews hasta Forbes.
Te sugiero que leas mis otros artículos.
El Metropolitan también encontró tiempo para promover la
fotografía como arte, con al menos dos grandes exposiciones al año entre 1977 y
2008. Está bien, no tengo nada en contra
de la fotografía y muchas de las exposiciones fueron maravillosas. Mi problema es que, de nuevo, de Montebello
eligió promover la fotografía en lugar de la pintura y escultura contemporáneas
serias. Nos dicen que los grandes museos
no tienen tiempo para el realismo porque no es serio, no es relevante, no es lo
suficientemente cualificado, y así sucesivamente. Véase la declaración de Greg Hedberg en el
Art Renewal Center y en otros lugares de que el realismo aún no había encajado
en los 90. O nos dicen que el realismo
es simplemente kitsch—demasiado popular—no lo suficientemente cerebral. El doble rasero no podría ser más evidente,
ya que de Montebello incorporó fotografía, cromos de béisbol, moda y todo lo
demás simplemente porque era popular. No
lo trajo porque fuera relevante, políticamente astuto o actualizado, cerebral o
nada por el estilo. Conozco mucho
realismo que es "más pesado" en todos los sentidos que la mayoría de
las fotografías que se muestran en museos y todas
las cartas de moda y béisbol que se muestran allí. También vale la pena recordar al lector una
vez más que el arte contemporáneo que se
exhibió en el Met (y otros museos) en este periodo no era pesado,
intelectual ni político en absoluto.
Solo mira las imágenes de arriba una vez más. ¿Se supone que estos artistas son pesos
pesados intelectuales o políticos? La
mayoría del arte "nuevo", que se remonta a 1920, no es pesado en
absoluto y nunca estuvo pensado para serlo.
Los críticos y académicos intentan cargarlo después con mucha teoría,
pero la mayoría de esas cosas son falsas y todo es bombástico. Solo mira las imágenes, por favor. Dado eso, es absurdo decir a la gente que el
realismo fue dejado fuera porque lo hacen los ligeros. Si no se dejó fuera por las razones que te
han contado, ¿por qué realmente se dejó fuera?
Pregúntate eso. También pregúntate esto: ¿por qué te
están atrapando con razones falsas? ¿Por
qué no pueden simplemente decirte la verdadera razón por la que el realismo
queda fuera? Si es una buena razón, no
deberían tener que ocultarlo, ¿verdad?
Dirás: "Espera, no te gusta Freud
porque pintaba feo, y pintaba feo a propósito para atraer a los modernos (como
has dicho en otros lugares), pero ¿qué le pasa a Balthus?" Bueno, hay muchas cosas que me gustan de
Balthus, especialmente esto: BALTHUS ES UN PINTOR DEL QUE NO SE SABE NADA. AHORA
VEAMOS LAS FOTOS. SALUDOS.
B.
Eso fue lo que escribió para su retrospectiva de 1968 en la
Tate Gallery. Tienes que amar eso.
También sabía pintar, y nunca cedió al grito moderno de que la pintura de
caballete había muerto. Pero respecto a
las pinturas, no estoy convencido. Como
con Freud (y Nerdrum, Currin y Saville, etc.), tengo esa sensación persistente
de que Balthus eligió sus temas para apelar a la pervertida sensibilidad
moderna. Si pudiera estar seguro de que
Balthus es un pervertido genuino, sería mucho más feliz. Pero si Balthus exige que juzguemos las
pinturas sin conocimiento personal de él, tengo que decir que las pinturas no
parecen auténticas. Desde el principio se esfuerza demasiado, y hasta en 1933
vemos fuertes signos de crítica académica en estos lienzos. No te lanzas directamente a una perversión
así (a los 25 años), a menos que sea un guion.
Eso es más interesante que la mayoría de las cosas que
hemos visto en el siglo XX, pero principalmente parece una
ilustración para un diario fetiche temprano.
Como ahora, había que hacer mucho para destacar en 1933, y esto lo
consiguió. También hay que recordar que
Balthus, al igual que Wyeth, provenía de una familia artística adinerada, así
que era libre de ignorar algunas de las reglas que se aplicaban a otros
artistas que intentaban triunfar. No se
merece todo el mérito por ignorar la prohibición de la pintura representativa,
ya que, siendo quien era, era libre de ignorarla. Sin embargo, no era libre de ignorar la
necesidad de destacar. Nunca intentó
ignorarlo y se acomodó cómodamente en el nicho elegido. Tras el éxito inicial, nunca se apartó de
él. Mi opinión actual es que Balthus
está sobrevalorado, pero está mucho menos
sobrevalorado que la mayoría de sus contemporáneos. No busco a Balthus en
ningún museo, pero preferiría estar encerrado en una sala con sus cuadros que
en una sala llena de Warhols, Rothkos, Pollocks, Klees, de Koonings o
cualquiera de los demás grandes nombres.
El punto de este artículo es que Balthus entró en Met por
su rareza, no por su habilidad. Si
hubiera elegido temas menos escandalosos, nunca habrías oído hablar de él.
Pero volviendo a de Montebello. Terminaré compartiendo una última razón
personal por la que sé que no es ningún tipo de defensor ni verdadero amante
del arte. Hace muchos años le envié
fotos de mi tríptico y solo recibí un rechazo
educado. Así que puedes entender que
cuando escucho que el realismo se ignora porque no es lo suficientemente
ambicioso, no lo suficientemente profundo, no lo suficientemente serio, no lo
suficientemente hábil, no lo suficientemente intelectual, etc., sé con certeza
que estoy escuchando distracciones. Sé
que no me están diciendo la verdad. Miro mi tríptico aquí acumulando polvo, y
lo comparo con las obras que veo expuesta y promocionada en lugares como el
Metropolitan. Algunos han intentado
decirme que todo es cuestión de marketing, pero estas personas saben que estoy
aquí. Yo (y otros como yo) no nos hemos
perdido en ningún revuelo. Tampoco es
una cuestión de incompetencia administrativa.
No estoy argumentando que de Montebello sea incompetente. No, es muy competente siguiendo la línea del
partido. Trabajos como mi tríptico están
siendo ignorados en favor de trabajos muy inferiores, y esto no es un accidente
ni un descuido. Estoy de acuerdo en que
es triste que tenga que ser yo quien diga esto, pero así está la pena. Si alguien más me defendiera, no tendría que
hacerlo yo misma, ¿verdad? Si alguien más defendiera la pintura y la escultura
tradicionales, yo no tendría que hacerlo yo mismo, lo haría
I? Tengo algunos
aliados, pero la mayoría se quedan en las sombras. Como los físicos que leen mis artículos
científicos, tienen miedo de alzar la voz.
Ni siquiera encuentro más que un puñado de personas lo bastante
valientes como para firmar una petición.
Y te preguntas por qué las cosas son como son.
Me dirán: "Si quieres volver a meter tu estúpido
tríptico en esto, es porque eso está pasado de moda. A nadie le importa ya el
pasado, mucho menos la poesía, mucho menos Shelley." No puedo decirte cuántas veces he oído eso,
pero de nuevo, sé que es una distracción.
Si el pasado está prohibido como tema en el arte ahora, ¿por qué no lo
está prohibido en la literatura o la crítica?
La gente no se cansa de las novelas históricas. ¿No se le dijo a Antonia Byatt que se
prohibía la posesión, verdad? Si a
la gente no le interesa la historia, ¿por qué seguimos recibiendo libros de no
ficción superventas sobre compositores, artistas y escritores de los siglos
XVIII y XIX? ¿Por qué seguimos
recibiendo películas sobre ellos? Si a
nadie le importa, ¿por qué seguimos recibiendo referencias al pasado en todo
tipo de escritura? Como solo un ejemplo,
podemos mirar el artículo de Robert Hughes de 2004 en elGüardian, el que acabo de criticar la semana pasada. En él dedica varios párrafos a hablar de
Reynolds, Blake y la Real Academia en el siglo XVIII. Cuando los críticos hacen eso, son
"eruditos". Cuando lo hago,
¿está pasado de moda?
No niego que rompí muchas reglas con el tríptico.
Pero mi pregunta es, ¿POR QUÉ ESTÁN LAS REGLAS AHÍ? ¿Por qué el pasado está prohibido en la
pintura pero no en ningún otro campo?
¿Por qué escritores, críticos, historiadores y directores de cine pueden
hacer lo que yo hago, pero los pintores no?
Una segunda pregunta es, ¿por qué nos dicen que los artistas
vanguardistas reciben crédito por romper las reglas, pero yo no por
romperlas? ¿Por qué infringir un
conjunto de reglas es "transgresor" y romper otro conjunto solo una
garantía de ser ignorado?
Como he demostrado con de Montebello, es porque las reglas
que he incumplido fueron creadas para proteger el statu quo. Fueron creados
para proteger una mediocridad arraigada frente al arte real y a los artistas
reales. Se crearon para proteger
galerías y museos de tener que tratar con artistas reales vivos, que no son tan
fáciles de controlar y promocionar como los artistas falsos vivos. Pero el tipo de reglas que los artistas vivos
falsos "transgreden" no son realmente normas. Son simplemente bolos preparados para ser
derribados, para que quienes los derriben puedan parecer rebeldes. Los artistas contemporáneos son rebeldes de
la misma manera que James Dean lo fue.
¿Qué hizo realmente James Dean? Interpretó a un rebelde en la
película. Se acostaba con gente, tanto
con hombres como con mujeres. Conducía
un coche muy rápido. Vaya. Vaya héroe.
Los artistas contemporáneos son rebeldes de la misma manera. Se quedan de pie con cigarrillos y peinados
malos, intentando parecer guays para la cámara, pero no verás que rompan
ninguna regla real.
En una breve digresión, veamos toda la idea de
"rebelde sin causa". En primer
lugar, la película de 1955 se basó en un libro de 1944 de un psiquiatra, quien
argumentaba en el libro que un rebelde sin causa era en realidad un
psicópata. No un héroe, un
psicópata. Ignorando eso, Hollywood robó
el título pero invirtió la lógica, convirtiendo a Dean en un héroe moderno. Pero solo considera la definición de
"rebelde". Para rebelarte,
tienes que rebelarte contra algo. No
puedes rebelarte contra nada, porque eso no encaja en la definición. Así que un rebelde sin causa es una
contradicción en los términos. Además,
hubo muchas causas en 1955, y aún las hay.
Un rebelde que no encuentra una causa debe de ser un idiota. El problema de cualquier verdadero rebelde es
limitar las causas, para poder centrarse solo en una o dos. No quiero entrar en teorías conspirativas
aquí, pero Nicholas Ray, el director de Rebel,
estudió en la Universidad de Chicago y fue protegido de Frank Lloyd
Wright. Poco después empezó a hacer
extrañas películas de propaganda para Hollywood, como They Live by Night y Johnny
Guitar. En estas películas, como en Rebelde, el Rebelde no encuentra una
causa (salvo robar bancos, pelear con armas o jugar a las gallinas) y acaba
mal. Clint Eastwood retomaría donde Ray y Dean lo dejaron, interpretando
personajes "rebeldes" sin causas.
También lo vemos si estudiamos al propio Eastwood, quien, a pesar de ser
vendido como un héroe americano, nunca tiene una palabra que decir sobre temas
importantes. Aparentemente, el nuevo
orden mundial le parece bien (apoyó a John McCain, junto con todos los demás
rebeldes).
Esto no es una digresión completa, porque el artista
moderno y posmoderno ha sido el mismo tipo de rebelde sin causa o, en el mejor
reparto, un rebelde con una causa fabricada.
El artista más vanguardista a veces está en contra de algo como el
Holocausto o la violación, pero ¿hasta qué punto es eso de rebeldía? ¿Quién no
está en contra del Holocausto o de la violación? Es como venderte como un héroe por gustarte
el helado de chocolate. Y, como en
Hollywood, el arte ahora no es más que propaganda, vendiendo un mundo invertido
de definiciones al revés y mentiras descaradas incrustadas en trucos
psicológicos y lavado de cerebro.
Philippe de Montebello nos fue vendido como tónico para este lavado de
cerebro, o al menos como un retenuante de las mentiras, pero él era solo otro
giro de tornillo.
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